王家卫的电影分析

王家卫的电影分析

布莱希特演剧方法推崇“间离方法”，又称“陌生化方法”，是他提出的一个新的美学概念，又是一种新的演剧理论和方法。它的基本含义是利用艺术方法把平常的事物变得不平常，揭示事物的因果关系，暴露事物的矛盾性质，使人们认识改变现实的可能性。但就表演方法而言，“间离方法”要求演员与角色保持一定的距离，不要把二者融合为一，演员要高于角色、驾驭角色、表演角色。

一、音乐风格

1988年，王家卫推出处女作《旺角卡门》，这是一部带有香港黑社会时代情结的电影。

与吴宇森的《英雄本色》等黑社会电影相比，王家卫更看重的是剧中人物生存状态的不安定与命运的不确定，原本应该成为英雄的人物却带着浓重的悲剧色彩，最终以横死街头的结局谢幕。时隔3年，《阿飞正传》拍摄完成，最终确立了王家卫电影的整体风格：没有完整的故事情节，有的只是几个人物，以及人物之间若即若离的牵绊关系。而连接这种关系的正是音乐、光影与独白，在彼此的碰撞和摩擦中营造气氛的神秘感与无奈的宿命感。

应该说，《阿飞正传》在王家卫电影中具有特别的意义。有人说，王家卫此后的片子其实拍摄的都是同一个故事，都是当年《阿飞正传》的一种延续。的确，我们在以后的电影中看到太多的王家卫个人情愫的表达，比如无根的命运，“我听说世界上有一种鸟是没有脚的，它只能够一直的飞啊飞啊，飞累了就在风中睡觉，这种鸟一辈子只能下地一次，那一次就是它死的时候”（《阿飞正传》）；比如结束漂泊的寻根情结，“我终于明白他可以开开心心在外边走来走去的原因，他知道自己有处地方让他回去。我不晓得再见父亲会是怎样，到时候再说吧”（《春光乍泄》）；比如情感的疏离，“不知道从什么时候开始，在什么东西上面都有个日期，秋刀鱼会过期，肉罐头会过期，连保鲜纸都会过期，我开始怀疑，在这个世界上，还有什么东西是不会过期的？”（《重庆森林》）；比如孤独，“从前有些人，心里有了秘密，而且不想被人知道”，“他们会跑到山上找一棵树，在树上挖一个洞，然后把秘密全说进去，再用泥土把洞封上。那秘密会留在洞里，没有人知道”（《花样年

华》）；比如忘却，“其实醉生梦死只不过是她跟我开的一个玩笑，你越想知道自己是不是忘记的时候，你反而记得更清楚。我曾经听人说过，当你不能够再拥有，你唯一可以做的，就是令自己不要忘记”（《东邪西毒》）；比如拒绝以及被拒绝的恐惧，“如果你不想被拒绝，最好的办法就是先拒绝别人”（《东邪西毒》）；比如宿命的不确定，“很多时候，一个人的性格会影响他的职业。做这一行最大的好处就是不用做决定。谁该死，时间、地点，别人早就决定好了。我是个很懒的人，我喜欢人家替我安排一切，所以我需要一个排档”（《堕落天使》）。王家卫说，他喜欢他的电影彼此之间有相关性。

音乐、光影与独白是解读王家卫电影的三把钥匙，其中音乐是与我们最亲近却最容易被忽视的，因为我们太容易受视觉牵引，沉浸其中。在王家卫的电影世界里，音乐是生活的一部分，是时代与环境的绝妙阐释，是心灵独白的另类抒发。而在那些或缠绵，或哀怨，或苍凉的音乐中，可以发现潜藏在一张面具之下的真实的脸庞，可以在一段凄美的爱情中感悟生命的存在，也可以为某段属于自己的故事中感动，并为之流泪，因为“很多东西用耳朵听比用眼睛看好”（《春光乍泄》）。

发现：面具下的真实

在王家卫的电影中，每一段音乐都是专属于某个人物的，是他或她在黑夜中抽烟或思念时流露出来的气质，是不为人知的个体的精神存在。随着音乐或快或慢的节奏逐渐展开、蔓延，最终形成一种类似于气场的存在，并在周围发散开来，沾染上别样的味道，像极了鸡尾酒，神秘却很真实。

《阿飞正传》的旭仔因为被遗弃的生命经历，而变得孤独、冷漠、恐惧、虚无。但是这张面具之下的旭仔却渴望自由的高飞，渴望去爱与被爱，渴望找到属于自己的根。所以，最终他领悟到无脚鸟的秘密所在，“那鸟一开始就已经死了”，此时的他重新回归内心，真实的活着，只是这种真实太过心酸，只残留混杂着一丝希望的绝望。而诠释这一切的正是电影音乐（古巴的Xavier Cugat及巴西的 Los Indios Tabajaras）。音乐带出浓郁的热带风情，浪漫、热情、不羁、乖张，整夜地在布宜诺斯艾利斯的空气中摩擦，从不同的角度表现旭仔的矛盾的感情世界和隐藏的内心渴望。最值得回味的是梅艳芳翻唱的《是这样的》，除了依旧的拉丁风情之外，梅艳芳低沉的磁性嗓音更是赋予音乐一种忧郁的气质，而最后的那一声叹息恰是对旭仔的最好写照。

《2046》中的白玲，一个上海的交际花，有着充满诱惑力的脸蛋与腰身，穿着时髦入时，言谈举止优雅，在上流社会中口是心非的讨生活。直到有一天，她遇上周慕云，她开始真正的陷入爱情之中。只是此时的周慕云已经不是《花样年华》中痴情男子，而更像是《阿飞正传》中的多情男人。其实白玲的要求并不高，“我不介意你有其他女人，可是我不能跟他们一样。不管你喜不喜欢我，反正我是喜欢你了，我后来再也没有带其他男人回来过，希望你以后也别带其他女人，能答应我吗？”只是，就连这一点小小的要求也不能实现，周慕云的回答很轻松，也很坚决，“不能”。此后，白玲的脸上依然洋溢着灿烂的笑容，只是心理中的苦涩只能在那段音乐《Siboney》中细细体会。这笑容并不是幸福，而是一种自我放逐式的精神惩罚与个人极端的心理报复，让我们看到她对遥遥不可及的幸福的向往，以及梦想破灭时的空虚与惆怅。

《堕落天使》和《重庆森林》都是王家卫表现孤独感和疏离感的电影，前者冷静的注视了城市生活中一个特殊的群体（杀手），并用嘈杂的音乐与优美的光影表现出他们破碎的生活，具有一种关怀气质。其中天使1号（他）是一个杀手，而一切工作都由天使2号（她）替他安排。刻意保持的距离感令两个人互相吸引，她会很认真的观察他的垃圾，因为“看一个人丢掉的垃圾，你会很容易知道他最近做过什么事”；会去他经常去的酒吧，“坐在他坐过的位子上，因为这样，我好像感觉和他在一起”；也会在他睡过的床上，在仍然留有他的气息的床单上，和自己做爱，像一条和自己纠缠的蛇。而这些都是他故意留下来的痕迹与线索，“让她知道我最近做过什么事，去过什么地方”，因为“这么多年，她已经是我生活的一部分”。终于，他不想再过这种没有明天的日子了，他点了一首歌留给她，“忘记他，等于忘掉了一切，等于将方和向抛掉，遗失了自己。忘记他，等于忘尽了欢喜，等于将心灵也锁住，同苦痛一起„„”，而这歌声正是他难得一见的柔情展现，也是她近乎窒息的一无所有的绝望体验。

而这，正是王家卫电影音乐的魅力所在，暂且抛弃视觉，去感受音乐的力量，体会每种人物真实的存在，这便是视觉面具下隐藏已久的另一张脸孔。

感悟：爱情弥漫的味道

相信每个喜欢王家卫电影的人都是特别的，特别的生活经历，特别的社会体验，以及特别的情感世界，所以，每个人对王家卫电影的感受应该也是“如人饮水，冷暖自知”了。每个人都会在电影中看到自己的些许影子，如同看见以前的自己那样熟悉与亲近。在音乐带来的醇美的视觉感受中寻找曾经迷失的自己，让自己的内心变得纯净、单纯而真诚，就像每个人的爱情。

爱情是每个人一生中都憧憬与渴望的，也是每一个人生活过的纪念性证明。而不同的爱情有不同的味道，不同的形状与不同的色彩，甜蜜的是翠绿的手镯圆，酸楚的是橙黄的柠檬圆，苦涩的是油黑的铁石方，麻辣的是血色的辣椒角。就像王家卫的电影音乐，爱情随着音乐的不断流转，流出不同的味道。

《东邪西毒》中发生了很多爱情，而欧阳峰与大嫂之间苦涩的爱情却是最难忘的，因为痛彻心扉。欧阳锋，一心打天下，以为可以抛下自己的女人，谁知道回到家才发觉，她做了他的嫂子。而那个女人因为欧阳峰不肯说出那句话，最终选择了他的哥哥，她要他常常得不到的痛苦。在这样的一场爱情中，谁都不是胜者，因为在他们最美好的时候，最喜欢的人却不在自己的身边，最终在绝望和希望之间的徘徊中逝去。音乐《昔情难追》恰如其分的表达出这种孤独与无助，还有一丝不甘心的倔强。哀怨的声音缓缓传来，尤其是吉他拉出来的那几声海鸥的叫声，更是平添了几分幽怨的感觉，将大嫂将死之前的遗憾刻画的极为生动，令人惊艳。其间还残留着属于两个人的美好回忆，只是一切都过去了，不可能再重来。世界上最残酷的事情，也许不是爱与恨，而是擦肩而过却彼此“相忘于江湖”。世界上最遥远的距离，也许不是生和死，而是站在你面前却不能说“我爱你”。如果是这样的话，请不要让生命空空等待，白白枯萎。

而《重庆森林》与《蓝莓之夜》却带给我们一种全新的爱情体验。一个叫阿菲的女孩用自己的热情与激情感染了失恋的警察663，在某年某月的某一天，他们分别去了两个不同的加州。一年之后，他们相遇了；而另一个失恋了的女孩伊丽莎白遇上咖啡馆的杰瑞米，为了做回全新的自己，用一年的时间进行心灵旅行，在见证了酒鬼警察亚尼和妻子苏的不幸婚姻，以及赌徒莱斯莉与其父亲的生死瓜葛以后，重新回到纽约，回到曾给过自己温暖的杰瑞米的身边。雷同的故事，倔强个性的女孩，温暖宽容的男孩，好像已经没有什么新意了，但是奇迹就在这时发生了。音乐赋予这两段几乎相同的爱情以完全不同的味道，前者是奔放热烈、敢爱敢恨的，而后者则是沉静优雅、温暖抒情的。

《重庆森林》源自于一首歌《California》，不用剧本，不限情节，拍摄以后大量删改，前前后后花掉好几年的时间，来自一首歌曲、一种气味或者一个意念的创作灵感，真正衍变出电影的艺术意图。正是在刻意减弱情节的戏剧性张力并夸张日常细节的过程中，光影、音乐、对白成为重要的叙述手段，彼此关照并产生回味无穷的充满弹性的叙述空间。《California》，60年代的美国街头音乐，有很强的金属曲风和节奏感，完美的和声和流畅的旋律营造出阳光明媚、热烈奔放的加州风情。这段音乐不断出现在阿菲与警察663的感情交错中。阿菲整日摇摆着身体，带领她从梦想走到现实。而《蓝莓之夜》则更像一部爵士乐豪华MV，电影中70%以上的音乐都是爵士乐，此外还有旋律舒畅的乡村民谣与伤感的布鲁斯。

其中诺拉•琼斯的《my story》成为电影中的点题之作，第一次与歌声邂逅，迷雾般温柔的嗓音将人的心灵紧紧抓住，仿佛相识已久的知心老友。音乐中散发出异样的亲切感，焕发着奇妙的光影，与电影中那段慢慢展开的爱情相互应和，温暖、优雅，直击灵魂深处。 除此之外，王家卫的电影中还展现出其他的爱情，比如《堕落天使》中天使1号与天使2号之间想爱而不能爱的酸涩之爱，《春光乍泄》中梁耀辉与何宝荣之间月圆月亏的流离之爱，《花样年华》中苏丽珍与周慕云之间难以言说的妥协之爱、《阿飞正传》中旭仔与露露

之间譬如朝露的虚无之爱等。应该说，王家卫的电影中到处弥漫的都是爱情的味道，只是味道不同罢了。

感动：放下自己的心

电影人生是提纯了的真实人生，每个人都对应着一个属于自己的位置。让我们像《东邪西毒》里的洪七那样豁达，不去想是否能成功，既然选择了远方便只顾风雨兼程，也不去想身后会不会袭来寒风冷雨，既然目标是地平线，留给世界的只能是背影；像《蓝莓之夜》中的伊丽莎白那样将过去抛却，记住该记住的，忘记该忘记的，只有放下才能承担，不要给自己留下遗憾，想笑就笑，想哭就哭，该爱的时候就去爱；像《重庆森林》中的警员663那样重新将自己的人生加以整理，总有一天你会于千万人之中，遇见你所遇见的人，在时间的无涯荒野里，没有早一步，也没有晚一步，刚好赶上了。 因为生命中不断有人离开或进入，于是，看见的变成了看不见的，记住的渐渐被遗忘了。生命中不断的有得到和失落，于是，看不见的也会有一天被看见，遗忘的逐渐被回忆唤醒。然而，看不见的不等于它不存在，记住的也不代表永远不会忘记。为什么要学这么多？因为人活着就得给自己找一个理由。 “左边布袋，右边布袋，放下布袋，何其自在”，放下自己的心，给它一个家，让它安静的度过每一个日日夜夜。

二、摄影风格

王家卫的每一部电影不仅呈现出了不同的内容,而且在摄影上也都有着与内容相符的风格。最简单但也最到位的说法也许就是!王家卫的电影画面,是光盯着银幕看也能心情愉快的那种。

一、超广角镜头

王家卫在#堕落天使和重庆森林中大量使用了超广角镜头。这类镜头焦距短、视角大、景深大、所摄画面具有很强的透视感。如拍摄近物时,有明显的纵深透视变形和畸变效果。在新闻摄影尤其是突发性新闻的拍摄中这类镜头拍摄的画面所占的比例较大。许多创作者利用超广角镜头是看上了其独有的夸张透视效果,以及它带来的强大的视觉冲击力,王家卫也不例外。他开玩笑说:香港太小了,用超广角让它变大些。因此,在他所拍摄的#堕落天使一片中,全篇616个镜头中只有49个镜头是由非广角镜头拍摄的。在王家卫看来,这样的选择是与香港的生存环境和表现人物心态相吻合的。超广角的使用使我们以一种新的态度来观察这个世界,而这个被超广角变形的世界对我们来说有着一种前所未有的感觉，原本熟悉的景象陌生了,原本陌生的画面熟悉了。同时这种镜头使影像扭曲,人物之间的距离变得含糊不清,似近却远,似远却近,充满了暧昧情调,王家卫显然是以此来喻示人际关系的疏离感。

重庆森林中,金城武说人与人之间也许近得只有十分之一厘米的距离,但他们仍然无法了解。堕落天使中重复了这一主题。金城武在被人打得头破血流时,仍然有这样的独白:绝不放弃任何和人摩擦的机会,虽然擦得衣服都破了,也没有擦出火花。其实这是现代人的永恒悲叹:孤独。在#堕落天使中,当黎明从浴馆完成杀人使命后,坐在出租车上的黎明的身影从后视镜中折射出来,叠印在高楼大厦的霓虹灯上,无疑,这种广角画面阐释着一种人物内心深处的孤

独感与荒诞感。影片中黎明和李嘉欣仅有两次处在同一画面之内,但均被压缩在一个以超广角镜头拍摄的,没有深度的画面空间里,在疏离与冷漠的氛围中渴求对话与交流。在超广角镜头的!摧残下,美丽、英俊的偶像派明星黎明、李嘉欣、金城武在镜头前几乎不可辨认。人物的形象极度变形、扭曲,人与人之间距离很远,从而表现出人物心灵的扭曲变态和孤独。#堕落天使∃中超广角镜头的大胆尝试势必会造成变形的效果,近景扭曲失真,远景又缥缈遥远,这种新颖的镜头语言的特点正是现代都市的缩影。现代都市人孤独而渴求,压抑而无奈的心情在超广角镜头的中近景和特写中表露无遗。超广角镜头所折射出的冷漠的人际关系是现代都市存在的衍生物,没法选择,无可回避。 二、手持拍摄

王家卫在#春光乍泻、重庆森林以及阿飞正传中都使用到了手持拍摄。在王家卫看来,手提摄像机的活动空间较大,!有能量,懂得跟住对象,不像使用路那么硬和死。他甚至希望!有一天能像摄影师SachaVierny那样,这个人蛮老的,但他的摄影依旧是那么前卫,我希望有一天我70岁了还能用手提摄像机。由此可见他对手提摄像的钟爱。手持拍摄所拍摄出的画面都处在多多少少的晃动、摇动、移动之中,就好似镜头是扛在一个非专业的不稳的肩头上拍摄出来的。按后现代艺术理论的术语来说,这里,镜头摄入物的构图不见了精致的布排,没有了什么层次丰厚的景深。手持拍摄非常适合于即兴创作,在新闻、纪录片拍摄中占有很大的优势。在手持拍摄之下,画面显得非常的真实,给观众以身临其境之感。张艺谋在其#有话好好说一片中,也曾大量地使用过手持拍摄的方法。而王家卫在这几部电影中所使用的手持拍摄,以其永远没有固定方位、晃动的特点恰到好处地表现出了现代都市人的动荡、漂泊、无根与不安。王家卫这几部电影的独到之处就在于将手持拍摄所具有的晃动镜头与其所反映的都市主题结合在一起,将现代都市的急促动荡、人们精神上的浮躁焦虑以这种独特的视觉效果反映出来,这可以说是很富有创新意义的。同时,这种活动性的拍摄使得影片的画面间产生了流动感,画面不再是一个个均衡稳定的画框,而成为一个仿佛永不停滞的流动的画框。这种拍摄技巧让王家卫电影的镜语别具一格。在#重庆森林∃中,梁朝伟和王菲的那一段故事大多是用手持拍摄的,因此画面出现了许多晃动。#重庆森林∃的故事情节绝大部分发生在晚上,但由于手持拍摄技巧的应用,整部影片显得并不十分阴暗,相反还充满了城市灯光。城市在晃动的镜头之下充满了活力,而片中的主要角色似都固定在一个定点上,背后的人影则不断穿梭往来,急速流动而不稳定,这种动感表现了城市惯有的脉动。林青霞在巷道中找寻偷走她毒品的人的情景,也采用了手持拍摄的手法。摄影机始终跟着主人公的运动而运动,在跑动中随意颠簸、晃动的画面随视觉产生主观紧迫感和不安定感,也暗示着人物内心的漂浮、无着落之感以及外在世界的动荡和由此引起的现代人内心世界的极度不安。再如在#春光乍泻∃中几次出现一群人在大街上踢球的镜头,手持拍摄和广角镜头的使用使得除了出现在画面右边的黎耀辉面部清晰之外,踢球的人群是模糊不清、迷离恍惚的。踢球的人群在手持拍摄之下随着足球的被传递而游弋晃动,从而形成了一种梦幻的效果,同时也成为黎耀辉情感世界的外化。这种摄影机移动所带来的虚幻、摇晃不稳定也一定程度上暗示出外在世界的动荡和由此而引起的现代人内心世界的极度不安,传达出了人物在失去恋人之后内心的茫然失落以及对未来的迷茫。

三、高速摄影和有意味的景别

与以往的影片相比,#花样年华∃的摄影显得朴实无华许多。影片再也没有王家卫以前所惯用的广角镜头、手持拍摄等技巧,而是更多地采用高速摄影等技巧。按王家卫的话说:!这个电影对我来说是一个关于回忆的故事。回忆里面有些事情对你来说重要的,一秒都觉得很长;对

你不重要的,几年一转眼就过去了。∀因此,王家卫在影片中用高速镜头拍了一些重复动作,希望有意把时间拉长,而有时则在叙事过程中推进得常快,希望把时间省略。高速拍摄能把动作放慢,从而造成一种特有的艺术魅力,甚至极普通的动作在这种镜头中也显得如同舞蹈一样优美。王家卫在影片#花样年华∃中竭力地应用高速摄影来追求影像的精心雕琢,完美无瑕。当周苏二人在狭窄阶梯上相遇时,缓慢的镜头与音乐默默契合,将二人难言的心绪渲染得动人心魄。无怪乎贾樟柯曾经在一篇文章中谈起,当王家卫在影片中中断叙事,让周、苏二人在幽暗的窄梯舞蹈般行走时,令他突然想到中国古代章回小说中承接上下篇的诗句。这段高速摄影获得的慢镜头不仅在影片结构上起到了承上启下的作用,而且其舒缓的韵律也为影片怀旧的气氛增添了几许缠绵和感伤的情绪。同时,影片较多地运用了中近景镜头以及移动镜头,影片中前景的物体有时占据了将近三分之二的画面,把生活空间的局促和压抑充分地表达了出来;镜头的移动方式以左右摇移为主,这样有利于表达两人微妙的心理变化,造成一种视觉冲击力;另一方面,更为影片营造了一种氛围,一种情境。我们在观看#花样年华∃的时候,还会发现该部影片拍摄的不同之处,即有时我们会觉得摄影机是在走廊后面拍摄的,摄影机好似一个邻居在偷窥他们。王家卫之所以以这种独特的方式去拍摄,是因为他认为:!这个故事是两个人的故事,是个悬疑的电影,很多事情都不是在镜头前面发生的,你是要猜的。

王家卫的2046在拍摄技巧上和#花样年华∃有着一些共同之处,该片采用了大量的特写和近景,很少有全景。这样使得画面显得有点支离破碎,空间显得狭窄、局促,画面环境因此失去了空间特征,缺乏统一感和整体感。在近景以及特写镜头中,人脸成为画面主体。在这部电影中,我们看不到#阿飞正传∃那样在菲律宾丛林温柔滑行的空镜,也看不到#春光乍泻∃那样在壮丽的伊瓜苏瀑布上空缓缓旋转的镜头,只有明星脸满满地占据了镜头。这样的镜头往往用来展示人物的内心动作,眼神微微一动都显示出人物内心的情感变化。但在#2046∃的近景以及特写镜头的后面,我们依稀可以辨别出环境,它或者是旅馆的房间、阳台、酒吧、赌场、夜总会,或者是楼梯口、街道旁。在这样的镜头中,人物始终处于物的挤压之中,处处体现着环境对人的压迫,人在物质世界中的不自在。

三、色彩风格

一、表现性色彩的应用

斯坦利・考夫曼说过:“色彩成为剧中的一个人物”。[1]对于王家卫而言,色彩在他那具有表

现主义的影片中无疑具有举足轻重的地位。在他的电影中,色彩不仅是一个给观众带来视觉冲击的造型元素,同时它也与人物心理、性格、命运紧密相连,富有表现主义与象征主义手法的作用。谈到王家卫影片中的色彩,我们不得不提到与他长期合作的美术指导张叔平。张叔平在王家卫的第一部电影《旺角卡门》中就担任了美术指导,并与王家卫一直合作至今,在他们的艺术嗅觉以及灵感之下,他们共同创造了一个独特的色彩世界。

王家卫的处女作《旺角卡门》在色彩设计上颇有特色,影片主要突出运用了黑、白、蓝、红等色彩,惟有在酒店的那场戏中,才改用了淡紫和棕色系列,意在表示男女主人公心理情绪的变化。黑白象征着华仔所处的黑道社会的冷酷无情,蓝红则象征着华仔和表妹之间纯真爱情的浪漫热烈。这两种冷色、暖色画面,分别表现了华仔与乌蝇的黑社会兄弟情谊,以及华仔与表妹阿玉因同是颠沛流离之人,而向往安定爱情生活的两种不同感情世界,从而构成了影片的强大张力。此外,影片在蓝色和红色的处理上很有特点,例如在华仔和前女友在楼梯拐角吵架的片断中,镜头的基调是蓝色,蓝色基调上再点缀以女主人公的“红唇”、“红上衣”,使红色更加鲜艳、眩目。红和蓝形成了强烈的对比,这种对比加深了冲突的氛围。

《阿飞正传》所独具的色彩语言也很有风格,摄影师杜可风说:“讲六十年代,免不了怀旧气氛,但我们绝不要黑白色彩套上黄色色调那种国内外电影的传统手法。”年代正值战后出生的一代成长,一方面,他们面临着政治动荡,经济腾飞;社会变化日新月异,文化失去根基。另一方面,他们与长辈之间的鸿沟,使得他们成为了反叛的一代。根据当时的社会环境以及年轻人的精神面貌,王家卫选取了绿色作为主要视觉风格,并把服装、道具、陈设等都往这个色调上靠。这种色调,使人感到全片似在倾全力表现那个时代的人无精打采而又缺乏热情的感情世界。

《春光乍泄》的片头以及片尾都把字幕打在全屏的血红底版上,很有些触目惊心。实际上,红色是影片的主导色彩之一,而红与蓝、黑、白四种颜色一道,构出了整部片子的基色。影片中黑白红蓝四色共同担负起了创作者在影像层面所赋予影片意韵的任务。同时,影片中前半部是黑白片,后半部为彩色片,虽然这种划分并非绝对,因为两者都错落了个别对方色的镜头。一般来说,一部影片如果既有彩色部分也有黑白部分,黑白部分通常是打上括号的过去性质。很多导演都曾经用这种带有强烈主观化意味的表现形式,来表示不同的时间和空间。

二、色彩即情感

色彩不只是对现实的简单还原,还是一种自觉的审美选择。它不仅是视觉造型,而且是情绪氛围;不仅是色调,而且是情调。在《春光乍泄》中,色彩的变化不仅代表着一种时间和空间的变化,其实它在更大的层面上反映了人物内世界情感的巨大变化。前面的黑白部分传达出了人物的孤独与寂寞,为了凸现这种人物内心极度的孤独,王家卫在影片的黑白部分让画面的光影反差很大,亮的几乎要花白,而暗的简直成黝黑,显然王家卫要的就是黑与白这种极度落差的效果。同时,在这一黑白部分,表现层次感的灰色被削弱到了不易觉察的地步,黑白片成了名副其实的黑白片。这种极度的黑白与影片中人物的心境相得益彰,将人物身在异国漂泊无助、孤独无依的情感世界表现得淋漓尽致,同时也将人物内心的炽热与外表的冷漠刻画得入木三分。当何宝荣信誓旦旦希望“从头来过”并与黎耀辉从医院出来上车时,影片就进入了彩色部分。在彩色部分,影片共有红、蓝两种基调,以及二者的混合色调。蓝色的街道、湖水渗透着一种沉寂、冷静的感觉,而红色的居室、酒吧则洋溢着激进、热烈和不安。红蓝两色几乎在每一个画面里被重重地凸现出来,我们可以在影片中看到屠宰场地上的一滩猪血;深红色的床单;黎耀辉身上穿的红色衣服等等。色彩即情感,色彩能够表情达意,这是一个无可辩驳的事

实。

在美国电影《廊桥遗梦》里,弗朗西斯科第一次与罗伯特相见时穿着一件浅色的彩条上衣,随着二人关系的发展,情感越来越浓时,服装颜色从多彩变得单一,有时是白色,有时是温暖的土黄色上面有一点不显眼的小花。影片最后二人分别时却是一身黑色服装。同时,我们在《春光乍泄》中也可以看到色彩被交替使用,以此表达出人物情感的变化。例如黎耀辉一直穿着一件黑色的大衣,当他和何宝荣的关系出现转机,两人“从头来过”的时候,他就换上了一件红色的衣服。红色代表着爱情,红色是最积极的色彩,最有力量的色彩,也是兴奋的色彩,红色在这里恰如其分地衬托出了他此时此刻兴奋、愉快的心情,同时也象征着他收获了爱情。当两人再次出现隔阂,黎耀辉又脱掉了红色的衣服,再次穿上了冷色调的衣服。《春光乍泄》中的黑白画面质感锋利,彩色画面流光溢彩,黑、白、红、蓝赋予的效果,有着一种动人心魄、非同一般的绘画般的效果。

杜甫仁科在《银幕的造型世界》中说:“电影中的彩色是层次分明的、富于动势的,也是有节奏的。他处于不断运动的状态中,因此,电影中的彩色与油画比起来,更接近于音乐。它是视觉的音乐。”而王家卫的《东邪西毒》中的色彩就有着一种流动的美感,它是一种视觉的音乐,让观众陶醉于其中。从整体上说,影片的色彩浓厚夸张,整部影片以黄、蓝、白、红为基调,并用这几种颜色暗示了人物不同的性格和命运。

影片中黄药师的基调以黄色为主。黄色是最辉煌、最光明的色彩,黄色具有强烈的运动感,好像迎面冲来,盲目冲击着一切,并向四面八方扩散。王家卫曾经说过,他更喜欢黄药师这一人物,由此可见他对黄药师的评价不低。盲武士以及洪七的装束都是蓝色,而盲武士所穿的蓝色则更暗。蓝色是消极的色彩,是无生命世界的色彩,是死亡的色彩。当蓝色饱和度降低,变成昏暗的蓝色时,具有阴森、恐怖、迷信、病苦与灭亡的意味,是不幸的悲剧色彩。同样,在影片《东邪西毒》中王家卫也用蓝色暗示着盲武士的不幸,盲武士一直惦记着回家乡看桃花,可惜“春来遍是桃花水”时他却成为了能够“听声音的尸体”。“我最后听见的是很好听的风声,蓝天上有云慢慢流过。我以前听人说过如果刀快的话,血从伤口喷出来的时候像风声一样,很好听,想不到第一次听到的是我自己流出来的血。”王家卫用这种独特的独白表达出了盲武士死亡的凄美。欧阳峰服饰的色彩基调以白色为主。白色具有恐怖感,带有精神分裂的意味。王家卫在影片中试图通过白色这一色彩来表现欧阳峰心态的失衡、不平以及精神分裂的状态。 《花样年华》这部影片尽管是彩色的,但其彩色是黯淡的,略显朦胧的,冰冷的。这种淡淡的朦胧和冰冷的色调统治了整部影片,即使在使用了诸如黄、红等灿烂热烈的色彩的某些画面上,我们也能较强烈地感受到这一点。狭窄的房间,潮湿的雨巷,昏暗的灯光,机械的时针,缩手缩脚的男女主人公……这一切都浸透了这种朦胧和冰冷的色调。这种颜色仿佛饱经风霜,历经沧桑,属于过去,属于历史,属于记忆。影片的这种色彩处理极易得到观众的心理认同,巧妙地烘托了怀旧的主题。同时取暗光和冷色调来作为人物的背景铺垫,造成了一种中国水墨画的视觉效果。不过,虽然影片色彩黯淡,朦胧,冰冷,但毕竟还是彩色的,斑斓的,诗意的,因为那段逝去的时光毕竟还是“花样”的,值得深深怀恋与铭记的。影片以橙黄和蓝黑为主要色彩基调,一方面表达了创作者对那段随风而去的金色年华的苦苦追忆与深深怀恋,另一方面也渲染出那个时代一对青年男女的苦闷、矛盾、压抑的情绪,较好地营造出一种与怀旧主旨和唯美风格相协调的气氛。

在影片中,王家卫善于利用夜晚小巷的灯光将墙壁染成枯黄色,人物行走于昏暗的小巷,伴以凄清的雨滴,阴暗的墙角,与人物孤独无助的心理形成对照。夜幕浓重的小巷,朦胧暖黄的灯光从侧面打亮了男女主人公的半边脸孔,没有言语,只有舒缓、轻柔似雾气的音乐,我们所能见到的是在黑、黄强烈的色彩对比之下,男女主人公刻意放慢的优雅走姿。这种较为强烈的色彩搭配和对比在优雅、舒缓的动作造型塑造下,在燃情的乐曲的流动中,几乎完全剥夺了我们

对故事情节的关注而进入到一种对于一个特定的造型空间的纯粹情绪性体验了。昏暗沉寂的小巷里,浓重的阴暗让人感到沉闷、压抑、痛苦,朦胧的暖黄又予人以温暖、慰藉与希冀。大面积的灰暗夹杂着几隅暖黄,影片的这种色彩处理,恰如其分地衬托出了人物孤独无助的心理。同时这种色彩造型也给了我们强烈的视觉刺激和心灵感应。

在王家卫的电影中,在色彩运用上对“百分之百天然色彩”这一传统电影美学原则的违背,其实是为了追求一定的视觉效果以及表达自身的主观情感。可以说,王家卫电影中的色彩是主观化、个性化的,并且这种主观化、个性化的色彩表达,已经成为了“王家卫电影”的一个独特符号。

王家卫实际上只拍了这一部电影：后来影片中的人物都能在其中找到原型，而主题永远是人与人之间的沟通——疏离与亲近，拒绝与接纳，追求与失落，忘却与铭记，逃离故土与寻找自由。

海上钢琴师 未曾漂流却一直漂流 作者 （意）亚历山德罗·巴里科

1900

海上钢琴师1900显然是一位命运悲剧与性格悲剧交织的受苦者，但却也是一位高贵的典型。与那些宁可忍受惊涛骇浪也愿去美洲“淘金”的移民不同，他丝毫没有到陆地世界去寻找“金

矿”的冲动。要不是因为那场“该死的战争”,1900的人生倒也是纯美的。然而，1900最终步入了绝境，在效果上获得“毁灭”的表现，这一点与古希腊的悲剧秉承一致。但是，与反抗命运的悲剧不同，1900接受了自我毁灭的结局，从而也就没有以严肃的态度来对待人生，反而从中产生了荒诞感、孤独感、恐俱感和绝望感，缺乏了与命运抗争的尊严和信心。他所表现出的种种悲剧意识显然是消极的，固然也是存在主义文学悲剧意识作品的典范。1900的故事虽然是象征的，却是真实的，不仅是艺术的真实，也是现实生活的真实。他的种种消极悲观情绪正是现代社会中人们消极情绪的极端表现。

《 海上钢琴师》的悲剧性就体现在他人生的荒诞性上，因此，它是受存在主义文学影响的一个典型的荒诞派剧作。存在主义诞生于20世纪30年代的法国，二战后达到发展的顶峰。存在主义文学在存在主义哲学基础上产生，它是以文学的形式宣传存在主义哲学思想。其特征是理性多于形象，核心是“存在先于本质”，“世界是荒谬的”，“人生是痛苦的和自由选择”，因此，“荒谬”和“痛苦”是存在主义文学的基本主题。它一方面描写资本主义世界的荒诞性，另一方面表现人的不幸与毁灭，以及人类的孤独、失望、恐惧与厌世的种种消极思想情绪。《海上钢琴师》中1900的人生就像一面镜子，极端地反映出现代人心理中最黑暗、最隐私的那一部分消极思想情绪。

在朋友MAX的眼中，1900的生活范围是狭小的，狭小到他的整个一生都只在“佛吉尼亚人号”船上度过，至死都没有踏上陆地一步。他的生命始于此，也终于此。1900以这种离奇的生活经历，犀利地揭示了现代人心中的一道伤痕——孤独感。在心理学里，孤独感是指长时间地独处所产生的心理感受，指在孤独环境下的一种心理反映。1900的孤独仅仅是由于环境的隔绝而产生的，而现代生活中的现代人，一方面生活在熙熙攘攘甚至是拥挤的人群中，另一方面却像得了感冒似的被孤独情绪包围着，这种身处闹市的孤独却发自人们的内心深处。面对着种种欲望的破灭，激烈竞争阴影下的身心疲惫，信任感的丧失危机以及浓浓的自我保护意识，这些都无不使现代人产生了要去关闭感受社会情感大门的愿望，孤独感反倒成了现代文明带来的“富贵病”。每个人都在心中或多或少地守着自己的“佛吉尼亚人号”不但守着，还愿意像1900那样享受这种“孤独”，把“佛吉尼亚人号”视为永恒的家，精神的寄托，生命的堡垒。但是，这种孤独感毕竟是消极的，就像1900的命运悲剧一样，一旦被这种“孤独病毒”感染，就不愿从白己心中的“佛吉尼亚人号”中走出。孤独感也就成了现代人悲观情绪的墓志铭。

1900享受孤独的情绪是美丽而悲怆的，但是这种美丽是一种病态的美丽，隐藏在他命运悲剧背后的潜在因素是一种“恐惧感”。这种恐俱感来自他幼小的心灵，并在他成年之后结出了毒果。作为一名弃婴，人生的开始就是一个悲剧。虽有养父的疼爱，但因养父怕失去他而不让他离船一步的恐惧感慢慢注入他的心灵。成年后的1900虽然显现出令人瞩目的音乐才华，但心里的恐惧情节却注满他的孤独人生，导致他人生的残缺。

“佛吉尼亚人号”是1900生活着的世外桃源，而陆地世界是他所恐俱着的“猛虎遍地的国度”。“我

眼中的整个世界，美丽而可怕。太过美丽。恐惧带我后退。重新回到船上，永远。”这种对未知世界的恐惧使他产生了对陆地某种程度上的隔阂，甚至是敌意。越是恐惧，越是封闭，甚至连最美最纯的爱情，飞黄腾达的前途都无法激起他人生的支撑点。这种恐惧感不仅推进着情节的发展，还作为一种氛围，弥漫了整部作品，使其成为恐惧意识的艺术升华。与孤独感一样，1900的恐俱感也被现代人感同身受着。面对现代社会的生存竞争和精神危机，人们也往往流露出发自内心的怯懦、迷茫和恐惧。在这种阴影下展现出的往往是人性的懦弱和自主有为精神的缺乏。可是，人毕竟是社会的一份子，不是与社会相对立的东西。尽管怀有令人懊恼的恐惧感，可生活还得继续。1900则给读者展示出了一种另类的美好人生。“一架钢琴。琴键是始，琴键是终。”“琴键之上，音乐无限！这一点，令我欣喜，生命也得以延续。你弹奏着自己的幸福，在那并非无尽的键盘上。”1900的确是幸福的，他的爱，他的智力甚至整个人生都被那架钢琴所占用，他不允许这部分爱和智力涉足他不擅长的领域。恐惧把1900关在一个排外的小圈子里，让他忘却了外面冰冷的世界，这种另类美好人生是其恐惧心理的艺术升华。但是，这种消极情绪并不能使现代人也去效仿，因为美好的人生只能存在于美好的社会中。虽然某种爱好使人们暂时享受着幸福，但这也只不过是一种逃避的手段，使人暂时忘却眼前的恐惧。

电影《海上钢琴师》整部影片采用回忆的方式讲述了一个名为1900的天才钢琴师从出生到死亡始终没有踏上过陆地的传奇故事。时空的交错，场景的切换，镜头的衔接，整部电影都处理得十分流畅自然。整个故事浑然一体，没有一丝一毫突兀的感觉。让观看者不知不觉融入到电影中去，如同身临其境般与故事中的人物同喜同悲。

导演托纳托雷似乎比较钟情于在影片中贯穿一种比较含蓄甚至是有点悲剧色彩的格调，在《天堂电影院》和《海上钢琴师》这两部他的代表作中充分体现了他的这个特色，《海上

钢琴师》中1900的与船同亡的结局给观者留下的不仅仅是对主人公的惋惜，更多的却是对这个世界的思考。

场景选择

在“钢琴决斗”这场戏中，导演选择让决斗在维尼吉亚号上华丽的舞池中展开。维尼吉亚号可以说是1900的整个世界，正如他自己所说“我的世界就是在这艘船上”而船上的舞池是1900唯一展现他才华的地方，对于一个没有生日、没有国籍、甚至是否存在于世都被怀疑的1900来说这方小小的舞台是其存在的体现与意义。Jelly选择在舞会高潮的时候开始了他的挑战。这个爵士乐的发明者，从这个场景一开始就被塑造成一个被金钱和名利所包裹的人。次刻，他需要在一个万众瞩目的时候登场，他是在炫耀,他要在众人面前羞辱这个被人称为比他强的1900。全然不顾这个从未离开过维尼吉亚号，所有音乐仅限一方小小舞台的1900，他带着莫明的仇恨向1900的根据地席卷而来。

同时，这个攒动着当时社会名流的舞池，集聚着一群趋炎附势、人云亦云自诩为音乐欣赏者的人。他们浮华、并不愿意沉静下来欣赏真正美妙的音乐。这也直接影响到1900最终没有踏出那一小步的原因，因为他们根本不懂得1900的音乐。1900是个天生的钢琴家，同时也是个天生的思想者，他追求生活存在的意义。他清楚地认识自己，大海就是他的世界，钢琴就是他的人生，他可以用88个键弹凑像大海一样无限宽广的音乐，在这里他能看到天边的尽头，而这是那些人所不能明白和理解的。

空间调度

在影片中导演大量运用展示空间的大全景画面，以使画面开阔，景深悠远。此种景别，能充分展示人物活动的环境空间，渲染气氛、创造意境。同时在展现空间的时候又经常会把镜头调度到人物或物体的近景或特写上来体现一种凝视的恬静。

本片采用回忆的方式来推进故事情节的发展，在现实与回忆中反复切换。在现实进入回忆的转换中多通过Max与其他人物的对话来达到场景以及空间的调度；而在故事情节发展时，则模拟人物的目光，以人物的角度来实现空间的转换。

在“钢琴决斗”片段中导演采用化入化出的手法有一段非常精彩的空间调度。“化”的方法，通常比较含蓄、委婉，并往往表现有某种寓意。伴随着Jelly登场后，长镜头定格在人物的远景后平移至吧台方向，从画面右下脚开始化入酒杯，拉近，并且将其他是物体包括Jelly全部化出。使观众的注意力全部集中到酒杯上。虽然实际上Jelly和酒杯两部分都存在于一个整体的完整空间中，但导演的这种风格化处理却给了观众一种空间跳跃的异样感。

镜头运动

电影作品中的大多数的镜头是平视拍摄的。而在《海上钢琴师》中导演却大量运用仰摄、俯摄镜头和通过推、拉镜头的淡入淡出完成大全景与特写的镜头切换是本部电影最显著的视听特征之一。

在画面中，拍摄角度不同，被摄对象在观众视觉范围内的方位、形象就会变化，从而引起观众对被摄对象的注意，改变观众的心理反应。

仰摄由下往上、从低向高的角度拍摄，仰镜头代表观众向上仰望的视线，在感情色彩上往往有舒展、开阔、崇高、敬仰的感觉。如影片中Max站在即将被炸毁维吉尼亚号前对船身大全景，又如“钢琴决斗”一场中1900对拿这即将燃尽烟头的Jelly的中景镜头。此处运用仰拍的镜头展现了1900内心对Jelly此时的态度“这不是较量,而是学习”正如影片旁白所说：“他没有竞争的体育精神”，“…籍此能学到点新的东西”，他对Jelly的态度是尊敬的。这和在此片段结尾部分1900直视一旁呆若木鸡的Jelly将点燃的香烟放入他口中“你抽吧，我不会。（“You smoke it, I don’t know how.”）”，形成了鲜明的对比，反映了1900的内心前后变化。

俯摄就是摄影机从高往低、由上往下的角度拍摄，代表观众向下俯视的视线。俯镜头使人有压抑、渺小、忧郁之感。此场景中关于大全景的环境描叙多用俯摄完成。其次如：Jelly弹奏完第一曲后，俯视1900的镜头；给人一种压迫、蔑视之感。

从大全景到局部特写切换多次运用推镜头与拉镜头形成两个场景的切换。此处镜头的主要作用是突出主体，使观众的视觉注意力相对集中，视觉感受得到加强，造成一种审视的状态。它符合人们在实际生活中由远而近、从整体到局部、由全貌到细节的观察事物的视觉心理，可以调动观众对被摄对象的关注。如：在Jelly登场的时候远景镜头从1900的后方起俯视移过人群，充分展示所有人物活动的环境空间——舞池。长镜头定格在玻璃隔断墙上的Jelly的剪影上，并随着剪影缓慢平移动直到Jelly亮相。然后又是两个机位的大全景的快切镜头用于描叙舞池人群的反映。随后就是镜头平推至两个人物面部表情的特写。镜头的频繁交替，对Jelly和1900两个人物远景、中景、近景反复描叙。接着顺Jelly的目光向吧台方向平移（摇镜头）化入至酒杯的特写并化出酒杯以外的所有物体包括Jelly。当观众的目光全部注意到酒杯的时候，酒杯出现的价值已经被从新定义。酒杯被Jelly端起，一饮而尽后又被重重的扣在了吧台上，仿佛是他发起进攻的号角！由次剧情转入“决斗”的高潮。 又如，“钢琴决斗”前Jelly与1900的对话一场中由Jelly面部表情一直把镜头推到一颗牙齿上的镶金上（推镜头）。两次香烟的特写、Jelly在听到1900弹奏“平安夜”时表情的特写（拉镜头）等等。

声音配乐

影片的配乐出自现意大利最有名气的音乐大师颜尼欧•莫里克奈之手，他的旋律由于乐思宽广、质朴流畅、极富歌唱性而具有在一瞬间渗透人心灵的强大感染力，包括《天堂电影院》，《洛丽塔》，《索多玛的120天》，都是来自这位大师的作品。《海上钢琴师》被誉为是最不容错过的电影原声带之一。

音乐在整部影片中占据举足轻重的位置，是影片的灵魂所在。莫里康内的音乐与托尔纳托雷的画面之间结合达到了天衣无缝、绝妙感人的境地。在此仅就片段“钢琴决斗”的前段和结尾试分析环境音乐对情节的渲染。在本段的开始Jelly的影子出现在画面中，伴随着是一段低调、沉闷、压抑的音乐，随着他的正式亮像更为低沉的大提琴声也随之渐入。整个过程没有台词，其间只有一个威士忌倒入酒杯的声音似乎想打破压抑的沉闷，但随即又被淹没。直到空酒杯被重重的扣在吧台上，才结束这段压抑而富有张力的音乐。在此段的结尾部分，1900演奏完那曲极富技巧的音乐，震惊全场后长达10几秒的无声运用更是精彩绝伦。配合着全场目瞪口呆的画面，把观众的情绪带到了一个兴奋的顶峰。在此刻我想再也没有比无声更适合表达此时感情的声音了。

美术用光

前面说过导演似乎比较钟情于在影片中贯穿一种比较含蓄甚至是有点悲剧色彩的格调,体现在美术用光上就使得整部电影的画面很少出现明快的色调。在“钢琴决斗”一段中，从人群进入舞台开始色调由冷色调转入暖色调并贯穿整个场景。值得注意的是，在该场景中两个主角Jelly和1900都身穿白色礼服。在整个环境中穿白色礼服的人物非常多，导演在光线的把握上明显使两人突出于所有人之外。并且在本段的结尾处Jelly被打败后默默离开的时候采用的侧光，使之没入大片的黑暗之中，用来渲染人物的内心情绪。 引子

这应该是我第四遍看这个片子了。一直想好好的分析一下这个电影，我简直想把它解剖成最小的粒子，然后，用我身体每一处细胞，来吸收它。这大概是与我共鸣最强烈的一部片子。我全身心的爱它，超过一切。所以我甚至开始爱屋及乌，也将多纳托雷列为我最喜欢的导演。我强烈的感觉到，多纳托雷与我很多想法是非常一致的，而且很奇妙的不谋而合。我可以在其中看到我的一些世界观，我甚至在爱上某一位导演班的女孩子之后辗转反侧而大半夜的打开电脑看它。然后在追求没有成功之后，我还是点开这部片子，看1900的那些遭遇，然后流泪。在别人问我最喜欢那部电影的时候我决不会故作品味高，说：“我喜欢《公民凯恩》！我喜欢安东尼奥尼的！”我会毫不犹豫的说：“我最喜欢海上钢琴师。”同寝室的一位导演班兄弟看见我如此喜欢《海上钢琴师》而将我视为个性的人，他说能喜欢这样的片子的人到这种地步，本人估计也是很特别的一个人。他说他可不想看第二遍，他觉得太闷了，太慢了。谁知道呢。在IMDB，《海上钢琴师》的评分只有7.8，而在mtime，此片的分数却高达9.0。如此悬殊的分数，到底是不是与西方人的浪漫细胞有关，还是欧洲人品位高，全都是电影大师，都去看安东尼奥尼、侯麦、特吕弗，觉得多纳托雷的电影实在太肤浅太表层，美国人都去看好莱坞商业片觉得多纳托雷太深奥太文艺，最后多纳托雷无辜的被夹杂中间，只能被亚洲人接受？谁知道？还有人觉得1900 的身世太过神秘而无法对他产生同情感导致影片失色，但是因为这个片子是一首诗歌，而不是叙事文学，不是历史传记，不是纪录片。如果真的要细细得什么都讲，我想多纳托雷的极端浪漫主意是无法实现的。 上

网查了一下子浪漫主义，如是说：“法国著名浪漫主义女作家乔治·桑曾对批判现实主义大师巴尔扎克说：“你既有能力而也愿意描绘人类如你所眼见的。好的！反之，我，总觉得必要按照我希望于人类的，按照我相信人类所应当有的来描绘它。”乔治·桑的这段话表明她在创作上所遵循的是与现实主义不同的创作方法，这就是浪漫主义。浪漫主义的基本特征是理想主义，就是按照作家认为生活应当有的样式来反映生活，因而总是理想地描写对象或者描写理想化的对象。”

多纳托雷通过自己理想中创造的一个纯洁到神圣的1900和他纯美的大海世界，来反衬社会上一些他想要解剖的问题。多纳托雷总得来说应该算是积极浪漫主义的一派，他通过创建自己理想的一个模式来讲述自己的主题，这正符合浪漫主义的特征。

一、主题与内涵

影片的主题中，包含了一个人的成长，包含了爱情、友情，包含了寂寞与漂泊，包含了命运，包含了一种强烈的归属感，包含了人的纯性，包含了人生观、世界观，包含了哲学。 导演要讲得有很多，或者说其实他根本没有想要特别刻意的讲什么东西。一些东西讲出来都是顺其自然的。最后1900说的那段经典台词，也就是他应该说的。整个儿影片就像是一首诗，一首极端浪漫的诗歌，一首甜美的、又夹杂着淡淡忧伤的爱情诗，一首不朽的传奇史诗，讲述着从生到死的人生，一个纯洁的人性闪着璀璨的光芒，从生，到死。但其实这又是一首不存在的诗，因为它浪漫到了极致。浪漫到极致的东西，看起来就似乎很遥远，像是隔着浓浓的雾，你伸手去抓，极其渴望得到它，却总是差上那么一段距离，无论如何也触碰不到。最后带给你的，只有无限的感慨，无限的失落，无限的缅怀。多纳托雷一定应该是一个浪漫的人，他的极致浪漫气氛，造就了一种极美的氛围和感觉，然后就像是化成一股巨浪扑向你，让你完全浸润在浪漫的海洋中，让你体内每一个细胞都喝足了浪漫的水。 1900是一个未受污染的人，纯洁得几乎无法让他与凡人同类。这与他生活的地方，他周围的环境密不可分。首先他周围的很多船员本身就被导演修饰成为单纯，不染污浊的一群人。他们率真，朴实，从影片很多段落可以看出来。比如在斗琴那一段。有两个船员应该是赌了1900获胜，在比赛的过程中，他们与1900一样，没有比赛的概念，不知道场上到底是

怎么一种情况，所以只能问前面的富家子弟“did he lose？”其实当时1900已经是落了下风，要一败涂地了，对方回答“not yet”，两个船员一听特别开心，高兴的鼓掌单纯得可爱。1900一直觉得陆地上的陌生人也应该是跟他一样纯洁的，可是他却遭受了打击，在随便给外界拨电话的时候，他遭到了别人的怒骂。他觉得非常奇怪，觉得“难道电话里面的人不应该是彬彬有礼吗？”，当时的我实在是很心疼，我真的希望，1900别与这些人接触，这一杯纯净的圣水，只能存放在天堂，放在人间的任何地方，都会落上灰尘，受到污染。1900惧怕陆地上的人。从那两个黑人追逐1900的片段，就能够看出来。他也受不住束缚，喜欢率性而为，想做什么，就做什么。在金色大厅演奏的时候，小提琴手多次提醒他，要弹奏

“just normal notes”，可是他还是受不了这样的循规蹈矩，最后依然是弹着弹着，就弹到了自己的调调上，然后一发不可收拾。其实我们何尝不是在生活中做着一些被束缚的事情。像是命题作文，用题目束缚你，你只能写这个题目；像是上课，有的课你喜欢，有的课你不喜欢，但是你却还是得上；像是做一些项目，可是你没有经费；像是你有才华，却不得不去违心的巴结讨好才有可能被识中，我们无时无刻不在被束缚着，但是自由，却又伴随着束缚而

生，如果没有束缚存在，也就谈不上自由。1900冲得破别人给他的“只弹normal notes”的束缚，但是还有更大的束缚在等着他，比如他必须在大海上弹奏，他必须有双手，或者，最基本的，他必须在自己活着的时候弹。这个问题不能再讨论了，不然将涉及更多哲学知识而跑题。但是反过来看，1900这一个做法，已经是在追求自由的路途上了。或者，他也许只是想这么做了，就这么做了。

当然，如果只就音乐来讲，冲破束缚即是意味着成功必不可少的条件。我不相信那些大音乐家在别人各种束缚下能做出好音乐。他一定需要自己全身心的放松，按照自己的方式，释放自己的能量，而不需要别人指手画脚。 影片中我们经常看见“自由女神像”，见到人们对着她激动的喊叫。但是真的是到了美国就自由了吗？导演给出的解释都在1900最后那一段话中：“陆地？

陆地对我来说是一艘太大的船，太漂亮的女人，太长的旅程，太浓烈的香水，无从着手的音乐。你看到那数不清的街道吗？如何只选择其中一条去走？你甚至不知道什么时候才是尽头。一想到这个，难道不会害怕、不会崩溃吗？”看见这个，你还会觉得自由女神会给你自由吗？城市太大了，自己在命运的笼罩下还谈何自由？

在现实的社会，每个人想要生活在社会里面，就一定得穿着一个不属于自己的外套，带着面具，蒙住自己的脸，说违心的话。在参议员给1900做完采访后，1900的一个回答正强调了此点：“如果我回家，我会在巴黎埃菲尔铁塔的下面，等待日落余晖，看路上的行人褪去自己的面具„„” 何尝不是，我们每个人一定得伪装自己，让自己圆滑，才能过活。每个人都在无时无刻的提防着对方。家里的门换成了铁门，观察外面用猫眼，邻居接触少得可怜。这样活着可真累。不知道世界到底能不能变成1900心中期望的那个样子。

浪漫主义的电影，一般都是离不开爱情的。不过这部片子里，爱情却并非主线。更多情况下，这是一部讲述友情比爱情更多的电影，它着重讲述一个人的一生而不是要着力刻画一次轰轰烈烈的爱情。不过我觉得多纳托雷最后那一笔随性一点，着墨不多却刻画深刻的爱情故事，居然是我第一遍看过之后印象最深刻的地方。这样的爱情实在是太纯了。上一段我们提到1900本身就是一杯纯净的水，或者是一张白纸，那么1900的这一次爱情，就看起来格外的神圣和纯洁，就像是泉水的源头纯净得一塌糊涂，那么他喷涌出的泉水必然不会是污水。甚至来说，1900这一段萌发的爱情，要比其它的电影中的爱情更加给人怜爱的感觉，就像是在一个没有绿色的土地上，突然一棵幼绿的小苗破土而出，你感到不得不去呵护它、珍惜它。至少，这是我最真实的感觉，所以在最后，1900最终与自己的爱情擦肩而过，才会有如此巨大的动人的力量。他不需要泰坦尼克号那样惊天地泣鬼神的爱情，只需要在你的心中，轻轻的刻下一道伤痕，在你回味的时候，一点点的渗入你的内心、灵魂，直到最后痛得你泪流满面。一般想要赚钱电影中，涉及爱情，或者完全就是爱情电影的话，结局一定是大团圆的，如果想要带点悲剧感觉的，就得考验导演的功力了，或者是本子好，像是泰坦尼克号，在不就是感情处理得好，像是这一部海上钢琴师，或者导演本身就不想赚钱，像是安东尼奥尼手下的男女。其实1900的爱情从开始就已经预示着是一个悲剧。1900本身是无法下船的，他恐惧陆地。而这个姑娘却是要下船的。他们一定会分开。可是1900却在最后知道了这个姑娘的住址。他的这孤寂的一生中，只有那个女孩和那个女孩的爸爸是在所有匆匆而过的陌生人中与1900接触最多的，给1900人生改变最大的。女孩儿的爸爸对1900说的，大海的声音，以及change life start fresh更是让1900有下船念头的催化剂。1900最后曾有一个非常让人吃惊的决定，用麦克斯的话来说，就像是墙上的一幅画，莫名其妙的掉了下来。这就涉及了命运的命题。从影片最开头destiny这个单词就已经出现。影片也给予观众很强的命运感。1900的出现，到被danny捡到，然后在船上生活，等等，放远了看，一切都像是命运安排好的。就像是我们的中国哲学的徐辉老师说，他也并不知道自己怎么会站在中国传媒大学的讲台上给同学讲哲学；就像是我爸爸不知道是什么让他遇见我妈妈，并与之结婚，生下我。很多时候，在回想自己的一些选择，总会唏嘘不已，一些神秘的念头在心中萌发。我猜这也是很多哲学家会讨论命运这一个命题吧。所以解释到了命运，1900是如何

学会钢琴的也可以归结到了命运的使然，但是导演也是做了一些铺垫的，比如在danny的尸体丢入大海的那一天，1900被天上一首奇怪的钢琴天籁所吸引。在小1900第一次走进高等舱金色大厅那个玻璃门向里面张望的时候，一个缓慢移动的镜头最终停止的那个地方，就是一个钢琴师在弹钢琴。这是寓意很明显。

稍微分析一下导演对1900如何学会钢琴的铺垫这一场戏。是从30分钟左右开始的。从麦克斯那，切换过来的画面中是一个小1900席地做在船舱的最下层，镜头缓缓的前推，周围是漆黑的，仅有的是四个船舱的窗户，在他右边是一个大盒子， 不知道这个大盒子是不是做支点，因为他是这个画面中少数几个物件。“黑色是死亡的沉寂，用于象征悲痛和死亡。”因为在前一段剧情中，他的养父，一个善良的黑人水手，在一次不幸中出了事故死去了。主角的心中很悲痛，唯一的亲人也失去了，生活没有了依靠，心灵很空虚，前景渺茫。

然后他听到了甲板上层的钢琴声，在黄色灯光照射中爬上梯子，向上爬去，导演通过主观向上看的镜头来表现小1900向上移动。梯子被灯光照射的金黄。“温暖的“黄色”是一种金子的色彩，是一种太阳和创造(画家凡高语)的色彩，它负载有欢乐、富有、光荣和大调调式的音乐的情感意义；”主角在音乐的召唤下，找到了希望，暗示着主角的生命将会出现荣耀。

然后画面转到了船舱底层的其他地方，深蓝的颜色，近于黑色，一道光线从甲板上照射下来。象征着音乐像一道光明从上面照到了主角枯燥无谓的生活中，作为一个孩子，本应该是充满活力的，但是他作为船上一个特殊的存在，他在接触音乐之前，没有找到理想的，没有希望。

之后他走到了客舱，采用前跟镜头，顺着音乐来到了大庭，再切换成主观镜头，透过那种模糊的玻璃看到大庭正在举行宴会，有乐队在伴奏，有人在餐桌前交谈，也有人在跳舞，这些都是有钱人。这是他第一次接触到音乐，音乐在他眼中像透过玻璃看到的朦胧的场面一样神奇，像幻想一样。这就是未来将影响他一生的东西——音乐。

当然，即使不讲命运，电影的极端浪漫主义风格也告诉观众，导演并不需要讲得这么详细。那么再想想，是什么，让1900遇到那个女孩子呢？无论是讲缘分，讲偶然，其实归结看来，都是命运。所以这大抵就是麦克斯所说的，墙上的画儿挂在那儿，没有人动钉子，或者说根本没有人动它，但是它却无缘无故的掉下来了，bang！掉下来了。这种神奇又强势的动力，非命运所为不可。命运让他决定下船，但是命运却让这个决定成为一个决定而永远无法成为一个现实。因为1900不会下船。

对一个人好到仁至义尽，是为了以后可以心安理得地无情无义。

\"你让我觉得 我们的关系不止这样 却又只能这样。\"

有时候，你选择与某人保持距离，不是因为不在乎，而是因为你清楚的知道，他不属于你。人生遇到的每个人，出场顺序真的很重要，很多人如果换一个时间认识，就会有不同的结局。或许，有些爱，只能止于唇齿，掩于岁月。

“我遇见你很晚，可是我会陪伴你很久。”

那时候说爱是真的 信誓旦旦的承诺也是真的 只是后来不爱也是真的。

为了一个人去学一首歌，为了一个人去报考一个学校，为了一个人而爱一门课，为了一个人拼命去减肥。年轻时，我们可以为了一个人而去改变自己，而最终都会明白：我做了很

多事，一开始以为是为了你，后来才明白其实是为了自己。只不过，如果没有你，我也根本不会去做这些事。

1. 你认为报考这个专业最大的自身条件优势在哪里？最大不足在哪里？

2. 你为什么报考这个专业？

3. 你最近看的一部电影是什么？评价一下这部电影

4. 你将来最想从事的职业是什么

5. 在你一生中，谁对你的影响最大？为什么

6. 最喜欢的一本书是什么？为什么喜欢

7. 你如何理解幸福？

8. 你最欣赏的导演或者演员是谁？谈谈欣赏他的理由

9. 你认为将来从事影视编导工作需要那些综合素质修养？

10. 你过去有没有接触过广播电视？对广播电视了解多少？

11. 如果本次考试你通过了，你梦想中的大学应该是什么样的？

12. 如果本次考试失利了，你将如何面对？

13. 你认为的璀璨人生是怎样的？

“爱不过是流年里失控的运气，我不愿你因为爱情辜负自己，如果你留下来跟我一起努力，我们将永远在一起，如果你不愿意，那我祝福你。要勇敢的去爱，也要用力的告别。”

对你特别好的人，一定是积攒了太久的爱。