古典时期意大利歌曲的演唱特点分析

古典时期意大利歌曲的演唱特点分析

所谓“艺术歌曲”，指的就是十八、十九世纪源于欧洲的一种抒情歌曲体裁，多用人声独唱与钢琴伴奏来为一首歌曲进行配乐的一种音乐形式，是音乐和诗歌有机结合下的一种综合性的艺术形式，在音乐领域中占有重要地位，结构短小，歌词大多为著名诗人的作品，有着极深的文化底蕴。在意大利，人们称“艺术歌曲”为“意大利古典艺术歌曲”，涵盖了早期古典主义手法和后来浪漫主义手法的艺术歌曲。14世纪到15世纪意大利是欧洲文化的中心所在，涌现出了大量的古典诗词作品，这些作品用词精炼，细腻、生动地表现出了人们内心的真实情感。故以这些诗词为歌词的意大利艺术歌曲，将那个时代人们的精神面貌与内心真实情感表现得淋漓尽致。意大利歌曲的逐渐兴起与发展，虽对艺术歌曲形成了一定冲击，但许多艺术歌曲至今仍广为流传。 一、艺术歌曲特点分析 (一)歌词内涵丰富，文学性强

从本质上来说，艺术歌曲其实就是优秀文学作品同精致音乐作品的有机融合，艺术歌曲的歌词具备高度的文学性与诗化的意境，并能够借助鲜明艺术想象来表现出深刻的内涵。众所周知，在欧洲古典艺术中，歌词多选自于著名诗人的诗歌作品，如歌德、席勒、莎士比亚、托尔斯泰等。诗歌在艺术歌曲中有着极其重要的地位。从某种意义上来说，诗歌作品本身就是在诗人情感升华下而创作出来的艺术作品，本身就能扣人心弦。而作曲家通过自身对诗歌作品的理解和对诗歌作品情感的感悟，将这种情感用音乐表现出来，为诗歌插上一双“音乐的翅膀”。但是，对诗歌作品的选择，作曲家们显然不是随意而为，而是精心挑选的，一般来说，选中的诗歌作品普遍都有着以下三个特点：(1)外在多描绘的是大自然的风光与美景;(2)内在多表达的是一种心理上的深度、创造的力量与幻想的美妙;(3)诗歌语言本身就有极强的音乐性，有着抑扬顿挫的旋律感与明快的节奏感。 (二)旋律特点鲜明，音韵性强

大多数的艺术歌曲有着优美的抒情旋律，通过歌词内容这条主线，深入挖掘出歌词本身的内涵，细腻地表现出主人公的真实情感，形象生动，个性鲜明。此时，这些作品的曲调多是以诗词本身语言声调为出发点，具体结合歌词的形式来确定整首歌曲的结构。作曲家最擅长的就是用其作为一名艺术家所独有的想象力

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与情感，将诗词作品中的情感与意境表现出来，并用音乐旋律加以补充，对诗词加以升华，使音乐旋律与歌词紧密结合在一起，形成一部优秀的艺术歌曲作品。 (三)钢琴伴奏极具形象意义

艺术歌曲多需要钢琴伴奏，在音乐类型上也被划分在室内乐的范畴中，钢琴伴奏有着不可忽视的作用。可以说，意境生动形象的钢琴伴奏是艺术歌曲区别于其他歌曲最显著的特征之一。在创作艺术歌曲的时候，作曲家往往会将许多精力花费在钢琴伴奏上，使之能同歌唱完美结合在一起形成一个艺术整体。而且伴奏音乐不仅对歌曲本身的歌唱部分起到烘托与渲染作用，还贯穿在整部作品的和声、意境、节奏、情绪之中，形象生动地描绘出了音乐的场景，营造了音乐气氛，刻画、补充了音乐形象，最终为听众呈现出一个形象更为生动、更为动听的音乐作品。所以，在艺术歌曲作品的演绎过程中，伴奏者同演唱者有着同等的地位，只有两者密切配合，共同合作，才能更为准确地表达出歌曲的内涵，才能不断强化歌曲的表现力。

二、古典时期意大利艺术歌曲的演唱特点分析 (一)演唱时把握好“连贯”问题

在歌曲演唱过程中，若没有良好的连贯性，就没有旋律线条，也就没有美声学派中的“美”的声音。因此，国内外的众多声乐教育家一直在强调“连贯性”的问题，即一方面在演唱过程中注重音乐情绪表达上的连续性，也就是国内所说的“形断而意连”中的“意连”，要求演唱者在演唱歌曲的时候全身心的投入进去，“设身处地”地表现作曲家所要表达的内容与情绪;另一方面则是从声乐技巧角度来说的，要求演唱者演唱时始终保持声音的平稳与连续，不可出现音色与声区、吐字与咬字不统一的情况。具体来说，就是17世纪到18世纪所出现的在演唱意大利古典艺术歌曲时美声唱法中所倡导的母音连贯现象。对此，有研究者表示，可将每个母音想象成一个珠子，然后在腔体状态不变的状态下，歌唱时需像金鱼吐气泡一样，所吐出的“气泡珠子”应该是一个连着一个的，也就是要求演唱者在演唱歌曲时对每个音节元音的演唱都需坚持到下一个元音演唱为止，在声音上形成“连珠炮”的感觉。当然，要想做到这一点，演唱者不仅需有较好的气息支持，还要有很好的歌唱状态与各腔体的瞬间协调能力。总之，在演唱古典时期意大利艺术歌曲的时候，尤其需要注意其连贯问题，这也正是歌曲本身的风格

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与情绪所要求的。

(二)把握歌曲演唱的音量

在演唱古典时期意大利艺术歌曲的时候，还需控制好演唱音量。在演唱过程中，声音的大小主要由演唱中气流冲击声带的力度所决定。气流冲击声带力度越大，声带的振动幅度也就越大，由此发出来的声音也就越大;反之，演唱时声带所受冲击越小，声带的振幅就越小，演唱者发出的声音也就越小。那么，演唱的声音多大才是最为合适的呢?当然，对于一首艺术歌曲来说，演唱者的声音从本质上是为整个作品的音乐表现服务的，所以需从作品本身入手，来决定演唱音量的大小。而古典时期的意大利艺术歌曲多表现的是爱情主题，因此演唱声调必然不可粗暴，或是带有强大的冲击力，而应该是细腻、柔美、婉转的。这样的演唱声音只能在有效控制好力度气息的情况下才能发出，若是憋足了劲大声吼叫，必然无法实现。因此，在演唱这类艺术歌曲的时候，演唱者应该确保柔和抒情的中等音量，或是对于部分“mezzo voce”环节用弱声来演唱。 (三)把握好呼吸方式与音准

在意大利，关于歌唱有这样一句老话，即“歌唱的艺术就是研究呼吸”。19世纪意大利著名声乐教育家兰培蒂(1813-1892)也强调，在声乐教学中尤其要注意呼吸在整个歌曲演唱中发挥的重要作用。正如其在《论歌曲的艺术》一书中所说得那样：“谁懂得很好地使用气息和读字发音，谁就懂得如何把歌唱好。”在他看来，“用身体的任何一部分去呼吸都有缺点”，故提倡“应用腹部、横膈膜、肋骨三者互相协调的呼吸”，即如今常说的“胸腹式联合呼吸”。通过采用这种呼吸方式演唱，可获得极为纯净的演唱声音，而这也正是意大利艺术歌曲演唱所必须的，所以掌握一种合理的呼吸方式，是演唱好意大利艺术歌曲的关键所在。此外，准确把握音准也是歌唱好意大利艺术歌曲的重点。从某种意义上说，一个演唱者在声音上的其他缺陷或许可以通过提升歌唱技巧来弥补，而若其音唱不准，却是无法遮掩的。17、18世纪的众多声乐家都强调过这个问题，如托西就表示，“任何一个歌者，如果不能唱得清晰准确的话，他的其他优点也会受到损伤”，故“教师应当强迫学生按照所有的艺术准则来发出准确的音”。马奇尼(1714-1800)也就音准问题发表了自己看法，认为“学音乐的人想把音唱得很准，真正的方法在于完善地掌握音程”。在意大利的古典艺术歌曲中，部分曲目存在着半音旋律，所

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以在歌唱这部分曲调的时候，演唱者需要特别注意音准的问题，以免因音唱不准而影响到和弦的整合和谐。

总而言之，古典时期意大利艺术歌曲是语言与音乐完美融合的产物，其不仅有着优美的旋律、明快的节奏、简洁的曲式结构，而且取材广泛，真实地反映出了那个时期的进步思想。值得注意的是，该时期的意大利艺术歌曲在旋律上更加淳朴，在结构上更加简洁，很少有华彩段落的出现，多用说话的形式把淳朴的旋律同诚挚的语言融合在一起，形成质朴简单的创作风格。对于该时期的意大利艺术歌曲，演唱者需在把握整个作品歌唱基调的基础上进行演唱，用更加柔美、纯净的声音将其演唱出来。

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